Escenarios

Se honesto. No hay una persona de teatro en el mundo que nunca haya escuchado esta cita icónica. Las eternas palabras de Shakespeare resuenan en los corazones y las almas de cualquiera que alguna vez haya anhelado una vida en el escenario. Todos somos solo actores, interpretando nuestros roles separados para los ojos errantes de los demás, sabiendo que la sociedad espera de nosotros ciertas acciones y gestos que debemos obedecer, o seremos arrojados para siempre a una vida de oscuridad. Un poco pesado para una cita que usamos tan abiertamente, ¿eh? En realidad, si lo piensas bien, cualquier parte del mundo puede ser un escenario, ¡si sabes cómo actuar en tu espacio! Hay un número prácticamente infinito de lugares en los que actuar, así que ¿por qué no probarlos todos y ver cuál se adapta mejor a ti?

Muy bien amigos, ¡es hora de un poco de Teatro 101! En primer lugar, vamos a ver los diferentes tipos de escenarios en los que un actor puede actuar, luego vamos a hablar sobre cómo puedes aprender a conocer tu espacio de actuación. Haga clic en los enlaces provistos para los diagramas de cada tipo de etapa.

Escenario Proscenio

El tipo de escenario más reconocible en el mundo actual se conoce como Proscenium Arch Stage , el estilo de puesta en escena más popular y tradicional. El arco del proscenio permite producciones más grandes y agrega una sensación de grandeza a la producción. Con un escenario más grande y más distancia entre el público y la acción, los actores tienen todo un mundo escénico con el que trabajar. El escenario está enmarcado para crear una ventana para la audiencia, conocida como la “Cuarta Pared”. Históricamente, estos escenarios se utilizaban para amplificar las voces de los actores. Ahora, con tecnología más nueva como micrófonos, los escenarios permiten elencos más grandes, diseños de escenarios más elaborados y mucho espacio para el movimiento. Los musicales de Broadway más populares se representan en escenarios de arco de proscenio.

Una variación popular del Proscenium Arch Stage es el Thrust Stage , que proporciona una plataforma extendida donde los actores pueden brindar una experiencia más inmersiva e íntima para la audiencia. La audiencia está rodeada de acción en tres lados, lo que permite que cada miembro de la audiencia tenga una experiencia diferente sin importar dónde esté sentado. Los escenarios de empuje funcionan especialmente bien para las producciones de Shakespeare, ya que el Shakespeare’s Globe Theatre de Londres es un escenario de empuje y uno de los escenarios más famosos del mundo.

los Traverse Stage es un enfoque más moderno de la puesta en escena. Los actores están rodeados por el público por dos lados, creando un escenario íntimo perfecto para coreografías y diseños de iluminación más avanzados. Aunque este tipo de puesta en escena limita las capacidades de diseño del escenario, también evita que los actores tengan que temer estar de espaldas a la audiencia. Esta puesta en escena se usa típicamente para más espectáculos que requieren un baile más elaborado.

Theatre In The Round ha existido desde antes de la época medieval y es la base para los asientos de los estadios modernos. El escenario está rodeado por todos lados por miembros de la audiencia, creando la máxima sensación de inmersión en la acción en el escenario. Esto permite la menor cantidad de restricciones en el movimiento, ya que el bloqueo no se basa en conjuntos o estructuras grandes. Los actores deben trabajar un poco más para asegurarse de que toda la audiencia esté incluida en la acción, pero con un poco de trabajo en equipo, esta configuración puede proporcionar una experiencia teatral muy personal.

La puesta en escena era popular en la época de los clásicos clubes nocturnos de Cabaret y proporciona una gran intimidad a un lugar. Los actores tienen un escenario con el que trabajar y un espacio abierto lleno de mesas y sillas en las que se sienta el público. A veces se pueden servir bebidas y comida durante las representaciones, lo que permite que los teatros obtengan más beneficios de la producción de un espectáculo. El escenario de cabaret limita el tamaño de la audiencia, haciendo que el lugar parezca más lleno de lo que sería para producciones más grandes. Un gran diseño para grupos de teatro más pequeños, esta puesta en escena no funciona bien con producciones de mayor escala. Una gran excepción a esto es el clásico Cabaret musical (Caramba, ¿quién lo habría adivinado?). Ambientada en la Polonia de fines de la década de 1930, “Cabaret” cuenta la historia de una joven estrella que persigue sus sueños como actriz en medio del telón de fondo de una guerra inminente.

Tu lugar en el escenario

Ahora que hemos discutido los diferentes tipos de escenarios, hablemos de tu lugar en el escenario. El escenario es donde se desarrolla toda la acción. “Espera un segundo, ¿qué pasa con los espectáculos que involucran a los actores yendo hacia la audiencia? ¿Qué pasa con los espectáculos que tienen actores que pasan por los pasillos? ¿Qué pasa con los espectáculos que ni siquiera tienen escenario, como las actuaciones al aire libre y los espectáculos interactivos con el público? Aquí es donde entra en juego la eterna cita de Bill: “¡TODO EL MUNDO ES UN ESCENARIO!” No importa si estás en un escenario o cerca de él, si estás actuando, ¡DEBES TENER CARÁCTER! La audiencia entiende (generalmente) que usted es un actor que desempeña un papel específico en una actuación designada. Sin embargo, no vinieron a ver TU personalidad, ¡vinieron a ver la personalidad de TU PERSONAJE! Dejar el personaje una vez que terminan tus líneas o cuando se apagan las luces es una excelente manera de recordarle a la audiencia que todo esto es falso. Eso no es lo que necesitas hacer. Necesitas convencer a la audiencia de que todo lo que sucede en el escenario es real, auténtico y espontáneo, no que estás leyendo líneas de un libro. Tu audiencia puede leer y no gastaría el precio de un boleto para escucharte leer un guión. Quieren una actuación, y depende de ti dársela.

Mantener el carácter en su espacio requiere una comprensión de su espacio, saber dónde puede y dónde no puede ser visto por su audiencia, y cómo necesita moverse para que sus movimientos sean lo más auténticos posible. En la mayoría de los casos, tendrá la oportunidad de ver el espacio durante los ensayos, aunque existe la posibilidad de que esto cambie a lo largo del proceso. Los escenarios se construyen y mueven, la configuración de la audiencia puede cambiar, los actores pueden tomar diferentes decisiones en el escenario. Estas cosas pasan, y es normal. Usted, como artista, debe estar de pie en todo momento y estar listo para los cambios, especialmente los cambios que ocurren durante una actuación. Si algo cambia, debe estar preparado para permanecer en el personaje y moverse de acuerdo con los cambios que se produzcan.

Conocer su espacio se puede lograr muy fácilmente, con un poco de previsión y respeto por el escenario. Esta es una de las muchas cosas que todo actor debe hacer durante esa espera aparentemente interminable entre la llamada y el telón. No importa cuántas veces haya visto el espacio, primero debe verificar si hay cambios en el escenario tan pronto como ingrese al edificio. Por lo general, esto resultará infructuoso, pero diez segundos de previsión pueden resultar muy valiosos. Verificar de inmediato le permitirá pensar en los cambios que necesita hacer de acuerdo con las modificaciones de la etapa y le presupuestará el tiempo máximo posible para tomar estas decisiones.

Al aprender sobre su espacio, debe tener en cuenta las líneas de visión, es decir, dónde la audiencia puede verlo. ¡Si puedes verlos, ellos pueden verte! ¡Incluso en la oscuridad, el público puede verte! Puede que esté oscuro, pero ver la silueta de un actor haciendo el moonwalk después de una escena seria puede dañar mucho tu actuación. ¡Backstage ni siquiera es siempre un lugar completamente seguro de los ojos de la audiencia! El público a menudo puede ver mirar alrededor de la cortina, escabullirse entre escenas o incluso caminar en el escenario con la cortina baja (¿Recuerda el comienzo de “Footloose”, cuando solo puede ver los pies de los actores?). Las sombras, los reflejos e incluso los movimientos de las cortinas pueden delatarte fácilmente y desviar la atención del público de la acción importante. Debe estar consciente en todo momento de que la audiencia puede verlo,

Sea consciente también del nivel de su voz. Algunos escenarios, como los arcos del proscenio, pueden amplificar los sonidos, haciendo que incluso un susurro parezca un grito. Algunas configuraciones escénicas más íntimas, como la configuración Cabaret, pueden hacer que las voces de los actores se conviertan en una distracción para la audiencia, que es posible que no pueda escuchar mientras habla. ¿Sabes cómo le pides a la audiencia que guarde silencio durante tu producción para no desviar la atención de la acción? ¡También debes tener en cuenta tu voz! No importa qué tipo de escenario, debe tener en cuenta que la audiencia también puede escucharlo casi en todo momento. Guarde la cháchara para los camerinos, donde las puertas cerradas amortiguan mucho el sonido. Sin embargo, tenga en cuenta que incluso las puertas cerradas no pueden cortar todo el sonido. Es mejor guardarlo todo para después de que haya caído el telón. Si la audiencia no está hablando, tú tampoco deberías.

Durante algunos espectáculos interactivos con el público, se requiere que estés en el personaje desde el segundo en que ingresas al edificio hasta el segundo en que te vas. Esta es una experiencia mía frecuente, ya que presento “Joey & Gina’s Italian Comedy Wedding”, un espectáculo de improvisación que abarca una boda completa, desde la llegada de los “invitados” (público), hasta la ceremonia de la boda, la cena y la la recepción y, por último, las despedidas ya que los “invitados” se despiden con cariño de los novios mientras se dirigen a la puerta. Este espectáculo es completamente inmersivo para la audiencia e implica compartir cenas, bebidas y bailes con la audiencia. Por esta razón, cuando entro al edificio, vengo completamente vestido para mi personaje y actúo completamente de acuerdo con todos los que conozco, incluido el personal. TODO el personal, incluidos meseros, camareros, cocineros y anfitriones, se conviertan en parte del programa, y ​​queremos que estén tan interesados ​​(y sorprendidos) por el programa como lo está nuestra audiencia. La única vez que abandono el personaje es si estoy en un camerino privado solo con el elenco. De lo contrario, hablo, me muevo y actúo completamente en mi personaje, sin importar cuánto intenten algunos miembros de la audiencia que rompa el personaje.

Espectáculos según el evento

Los espectáculos de bodas tienen lugar en restaurantes y clubes de campo, y tienen requisitos de puesta en escena muy diferentes, ninguno de los cuales veré hasta aproximadamente una o dos horas antes del espectáculo. Es por eso que SIEMPRE llego temprano cuando realizo estos espectáculos. Ayudo a la instalación y puedo examinar el diseño del área, las mesas de la audiencia y la pista de baile. Esto me permite planificar con anticipación y estar listo para mis diversas acciones durante el espectáculo. A veces, las cosas cambian en el último minuto. Siempre planeo con anticipación para esta eventualidad también, y trato de buscar una segunda área para realizar ciertas acciones, en caso de que la primera no funcione. ¡A veces, la segunda área es más divertida que la primera! Sobre todo, mantengo la calma, me mantengo en el personaje y conozco mi diseño para estar siempre listo para brindarle a la audiencia una experiencia original.

Bill realmente sabía de lo que estaba hablando en el siglo XVI, ¿no? Sus obras se han representado en todos los países del mundo, en casi todas las puestas en escena imaginables (creo que “Mucho ruido y pocas nueces” o “Sueño de una noche de verano” serían geniales en un ambiente de cabaret). Sus actores y, posteriormente, los actores que aún interpretan sus obras, siempre estaban listos para escuchar sus señales y listos para dar a su trabajo la mejor interpretación que el público jamás había visto. No importa de quién sea el trabajo que esté realizando, y no importa cómo esté configurado el escenario, desea brindarle a la audiencia una experiencia de interpretación que nunca olvidará, y para hacer eso, necesita conocer el escenario de adelante hacia atrás. (CONSEJO: una manera fácil de recordar el escenario superior frente al escenario inferior es que los escenarios más antiguos solían estar inclinados hacia la audiencia, por lo que la parte inferior del escenario está más cerca de la audiencia, y el fondo está más lejos). Necesitas conocer el escenario tanto como necesitas conocer a tu personaje, tus líneas y tu vestuario.

Por lo tanto, la próxima vez que acepte un papel, asegúrese de tomarse esos primeros minutos antes de comenzar a meterse en el personaje para ver dónde actuará. Contribuye en gran medida a hacerte lucir más profesional como actor. Dijo Shakespeare en “Como gustéis”, Acto II, Escena IV, “Me gusta este lugar y de buena gana podría perder mi tiempo en él”. No hay un actor en el mundo que nunca haya pensado eso sobre el escenario y, con suerte, nunca habrá uno.

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